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迷上癮，我不想對藥物濫用下什麼教育性註解，不過對於其中四位角色用藥的動機很感興趣，明知不可為而為之，人不是傻子每個角色背後都有個灰暗的缺口想補平，而藥物則成了昇華靈魂最快速的藉口，當然也是毀滅自己最快的方式。 說到此電影的剪輯和 Lux Aeterna配樂搭配的非常巧妙，大量運用拼湊與物品象徵刺激我們的視覺，於是造就了整部影片頹廢迷幻的感覺，故事中以四個人物交織構成一幅人性與妄念的畫，不知道藥物成癮後的世界到底是白日夢還是真實的摧殘。

再見，總有一天 人活著，必須隨時準備說再見 最好這麼想吧，孤獨是最不會背叛人的朋友 為愛卻步之前，最好先去買把傘 不論如何被愛，絕不可輕信幸福 不論如何愛人，絕不可愛過了頭 愛，像季節般的東西 春去秋來，只不過為人生增添色彩，令人不至生厭 說愛的那一瞬，愛已成稍縱即逝的冰片 再見，總有一天 永遠的幸福不存在，同樣的 永遠的不幸也不存在 總有一天，說「再見」的時刻來了 總有一天，互道「你好」的時刻還會降臨 行將就木之人分為兩類，有人憶起自己曾經被愛過 有人憶起自己曾經愛過 而我，一定會想起自己曾經愛過 光子寫給豐的詩 在這部電影預告的時候，感覺還沒這麼強烈，只是看完整部電影卻有種人生的悵然之感，劇情由東垣內豐（西島秀俊）被派往泰國出差工作的日子，在某次聚會認識了真田沓子（中山美穗），後來在公司某次棒球賽之後沓子去豐的房間找他，而後就像是某種中毒般的纏綿，另外在日本的未婚妻尋末光子（石田百合子）後來也漸漸知悉豐在泰國的事情，電影改編於辻仁成的小說，並且由「腦海中的橡皮擦」韓導李宰漢操刀，所以在看這部電影所呈現的氛圍和鏡頭下的色溫都非常特別，加上當時七零、八零年代的背景，使得整部影片的異國調很濃厚，尤其喜歡他在鏡頭上對人物角色柔焦的拿捏。 首先由東垣內豐這個角色來進入整個故事的核心，明明已經有了未婚妻不過在泰國與沓子的邂逅之戀卻讓他深陷而無法自拔，這形象與他在職場上穩健上進的樣子完全相反，而沓子就是擁有這樣自由奔放的吸引力，讓豐沉寂的愛慾之火不斷的燃燒著，當然豐的內心也陷入了雙重的考驗，至於電影中比較少著墨的光子，我卻認為他點綴了整部戲，一個看似被動受傷者的未婚妻角色，實際上卻展露了她身為未婚妻地位的強勢感，身上有著沉穩、傳統茶道美德、顧家、服從丈夫等…這種種的世故感更添顯他對於豐的愛有多麼堅定，甚至去會見這個算是敵手的沓子，並且以主權宣示來證明他和豐的婚禮勢在必行，當然愛上了沒有誰對誰錯，不過電影以二十五年之後的回憶和重逢來作為觸碰點，卻讓豐的內心產生了莫大的遺憾，他發現原來這好幾年來自己看起來什麼都有了，實際上卻無比空虛，當自己選擇了了什麼最後的必需自己來承擔。 在社會體制上是第三者角色，這是不能愛的愛，愛上了卻又理不斷的愛，有種嗑藥中毒的興奮症狀，這樣的三角關係在人生...

由劉梓潔獲得林榮三文學獎的劇本來改編拍攝，雖然其中技術層面和色調處理有不足之處，但整體的感覺卻是很濃烈的在電影院中散發著，人死後一場宴會，而父後七日就是從一對兄妹的父親死亡開始，在喪禮過程中不見哀傷瀰漫，反而對於傳統喪儀產生一種詼諧的觀點，並且加上許多的回憶片段讓整部片充滿揮散不去的思念，如同劇中父親喜好的黃長壽香煙濃烈的尼古丁直衝腦門，裡面很多片段讓我勾起了小時候的記憶，以前有個小舅的朋友我都管他叫阿七舅舅，而他們家就是從事和電影中阿義一樣的職業「師公」，記得有次是阿祖過世，這場喪事和電影許多橋段一樣，需要大量的誦經儀式、定時焚香、唱名…直到出殯火化，記得有次唱名用台語腔調唸「孝孫XXX」的時候，突然覺得有點荒誕然後笑了出來，當然這種場合則是被白眼示警，整部片劇情到最後部份轉出了人死後到底還留下些什麼的提問?當女兒在父親喪禮結束後埋首於各地工作之時，原來某些對於自己深刻的記憶會被有意無意的人事物給挑起，什麼時候手上的那根菸不止息了，抽的都是一種記憶和悼念。

改編東野圭吾經典作品《白夜行》，而這部作品之前就有日劇版本，不過電影更有看頭由影后孫藝珍來演出，故事在敘述十四年前佑漢和美穗這兩個十一歲小孩的純愛戀，後來卻因為佑漢的父親和美穗母親黑暗的交易之下破滅，後續一連串的故事發展更是埋下了許多殺機。而這對青梅竹馬最單純的願望就是有天能夠牽手走在陽光底下。 其中在探討一種依存的心理關係，在所謂大人的世界之中的污穢就這樣毀了原本小孩單純的童年，於是人性的黑暗面不斷的擴大，甚至到了長大後還存在著，韓國電影其實品質一直都不差，而這部改編的作品把懸疑推理的節奏掌握的很不錯，女人最厲害的武器就是身體，美穗長大後利用性來操弄人心的手段在孫藝珍似笑非笑的臉龐之下讓人不寒而慄，直到最後那刻的否定，原來佑漢是最悲哀的男人。

在公視看到蔡明亮導演第一部作品，也是因為這部表現那個年代青少年的壓抑表現和特殊象徵，讓蔡明亮在國際影壇初試身手，劇情分成兩條主線其一在敘述小康(李康生)反骨時期突然決定放棄聯考，並且把補習班退掉拿了一筆錢到西門町去晃蕩。其二則是阿澤(陳昭榮)，一個終日在電動場和街上遊蕩的不良少年，騎著當時後很流行的仿賽重機車，這兩個人的交叉點就是某次小康他老爸車子的後照鏡被阿澤砸爛… 其中在每個人物的刻畫表現出了當時年輕人的衝動和聯考之下的壓抑，終日補習班之下所產生的反彈，如同片名小康在砸阿澤機車的時候把自己當成一個哪吒，在神話中哪吒就是象徵著反骨的年青人，當小康得手後高興的在床上蹦蹦跳跳，那是年輕的衝動，另外方面在阿澤家中有個排水孔總是會倒灌，最後嚴重到整間房子都是水，在蔡導的電影之中水的元素總是很多，而在此代表著阿澤和他哥還有阿桂的漂流感，那堵也堵不住的出水孔，帶出了對於人生無奈的感覺。

由法國作家Guillaume Musso第二本小說Et après(然後呢?)小說為本的電影，當初會想看是因為攝影是李屏賓掌鏡，果然在其中的拍攝非常柔和唯美，不過整個故事拍成電影架構卻挺平淡的。 納森小時候曾經被車撞到，後來又奇蹟似的活了下來，長大之後事業順利，但熱衷於工作總是冷落的妻子和女兒，直到kay醫生的出現才開始讓納森的生活起了變化，而且他跟納森說他看到發光的人之後就是那個人的死期將近…在過程之中納森不斷的體驗失去摯愛的感覺，直到最後體悟了自己的天命。

看完血色海灣不禁在想，在工業革命之後快速進步的全球化同時，我們究竟消耗了些什麼，這部影片在日本被禁止上映，不過透過傳播媒體的力量日本當然抵擋不了各種輿論的抨擊，首先看完影片最先的感想就是「殘忍」，或許後續會譴責那些漁民，不過反過來思考小漁村在過去古時候也是這樣捕魚，只是在當今工業技術之下捕魚擁有過去沒有的神兵利器，或許當地某些漁民早就忘卻了自然共存的法則，加上政府根本沒有放縱，賺錢成為濫捕最好的印證，在血淋淋的影像之下或許能喚起一些對於自然對談的空間! 記得以前曾經看過一段影片，內容是殺豬的過程，從規律化的飼養到屠殺處理，當時我就在想，我們需要這麼多豬嗎?也許上下游的該有個共同的思考，到底食物的量在哪，小時候大舅說現在吃的某部份玉米、牛奶、大麥等食物…都是經過「大量製造」來種植的，這和我們以前看到的澆水種植不一樣，整個流程充滿科技化，那我們吃下肚的食物到底是什麼?這或許要等一兩百年後才來研究後遺症，不過陸續出現的文明病或許都有一定的關連性，其中提到一個非常重要的點，就是課本都上過的「食物鏈」，當我們在吃大型鯨魚的同時，經由層層鏈累積之下，重金屬汞因果循環最後回到了人類身上。 拍攝紀錄片者原本也是從事海豚表演的電視劇，甚至後來影響了全球的海洋觀光表演事業，進而整個世界的海豚都遭到濫捕，裡面的官方說法還把世界漁獲量下降的過錯推給了海豚，這讓人啼笑皆非，因為製造利刃的是我們，所以世界的遊戲規則好像也在我們這些人手上，於是那些不會說人類語言的動植物只好沉默的消逝，那我們不該羞愧嗎?如果不能回到自然的共存，那這個世界隨時都會反撲!

如果你血液之中還有著冒險犯難的精神，那麼星期六的地圖直得一看，如同布魯克說：「愛過在失去比沒愛過好」，這套用在他的旅行也是一樣的道理，當我們生活穩定的時候是否在物質之外缺乏了些什麼，他是一位HBO的體育節目製作人，生活無虞並且享有高薪，卻長達一年的旅行的夢想而放棄工作，帶著簡單的隨身衣物和攝影器材開始了二十六個國家的自助旅行，當然這段旅程曾經被質疑，不過最後自己將會知道自己獲得了什麼。 當然旅行好像在富裕國家很容易，但是對於尼泊爾人旅行的感覺是種奢求，布魯克遇到了一個讀到有機化學畢業的尼泊爾人，他卻只能在家鄉在賣織品，八竿子打不著的行業，雖然世界的距離被科技縮短了，但四處旅行卻也不是人人都能成行，不過那個人卻說：「雖然我們在世界排名是貧窮的國家，但是我們生活還是這樣過，有飯吃不挨餓受凍」，這句話是否也該傳達到其他先進國家，生活快樂的取決真的在於鈔票有多少?如同台灣盛行的吃到飽，吃的每一口食物有可能都是需索無度的浪費。 旅行的時候別人不會問你做什麼 而是問你從哪裡來要到哪裡，沒實際到過那個地方無法去體會那邊的生活和文化，如同在印度紅綠燈形同虛設，其實台灣好像也是，或者是非美國人認為賓拉登是一號恐怖份子，而布希是二號恐怖份子，當然這些都是從媒體報紙所獲取的偏頗 最後與不同國家的人交流過後會改觀許多，長達數個月甚至數年的旅行更是一種與自我心靈對話的時刻，因為自己和自己與這個世界做不同的接軌和探索，或許旅程有終了時刻，但是最後激盪在心中的會是一輩子難以忘卻的記憶。

蠻喜歡看這種短片，可以在其中掌握一點元素然後加以運用在短時間之中，集合了李歐卡霍、奉俊昊、米歇爾高迪三位導演來詮釋東京，在他們導演之下究竟會看到什麼樣的面貌? 室內設計 演出：加瀨亮、藤谷文子、妻夫木聰 主角是加瀨亮所飾演，他是一個藝術形的電影導演，簡單的說就是冷門片，於是和女朋友住在朋友家，後續所產生的故事令人感到驚奇，因為後來女主角就在街頭慢慢的變成一張椅子，而不斷的在城市中奔跑和躲藏，這也象徵著一種反向的城市壓力，椅子是一種有價值的偽裝，而裸體則是自己的一無所有，當自己沒有工作而被人批評之時，我們是否也會像影片中的椅子一樣奔走在街頭呢?最後椅子又被人撿走了，替自己做定位或許就能找到在城市中的個人價值。 merde 演出：丹尼拉馮(Denis Lavant) 東京都從下水道出現了一個怪人，他吃錢吃花並且讓整個東京都人心惶惶，甚至最後還在東京街頭丟擲手榴彈，最後被抓起來審判和吊死的過程。 這段影片一開始就用了哥吉拉的配樂，不過出場的卻是法國人，那種說不出來的突兀還真是奇妙，而李歐卡霍對於日本的嘲諷更是不在話下，像是審判過程之中的質問和死刑字幕的出現，這都打著日本是個強勢有著死刑的國家，加上怪人吃著日鈔和花朵，更是諷刺日本經濟當道和形象第一的情況，不過其中過程有某種語言上的翻譯在翻譯，或許也是突顯了東京對於外國人的不友善。 搖擺東京 演出：香川照之、蒼井優 香川照之飾演的宅男，他有很多年都沒出門了，直到有一天送PIZZA的女孩蒼井優讓他的世界為之震撼，其中的內容在說明都市的冷淡，有一段是宅男要去找女孩之時，所經過的東京卻是空無一人，原來每個人都躲在家中，而其中有趣的部份是這種地震的感覺成了人和人的互動，一場地震全部的人都跑上街頭，而地震過後每個人又各自回到了屋子，好像什麼事情從來也沒發生過，互不關心的又過著各自的生活，而女孩的身上又附有很多個英文名稱的按鈕，像是在嘲諷科技所帶來的冰冷和制式，很喜歡其中在運鏡的畫面，巧妙的把宅男屋子的空間做了人物移動的特殊感，好像那個空間才存在著時間和光影的流動，而屋外則是熱死人不償命的熱天，當我們踏出門口的那一步人的溝通才得以開始。

最近公視在重播王家衛的電影，而又再重看了重慶森林、花樣年華，在其中看見了所謂電影的詩意，無論是音樂元素的運用或者鏡頭和畫面的語言，一再的透露出浪漫的氣息。 在重慶森林中印象很深的幾個片段是王菲跳在梁朝偉的床上，音響不斷響著California Dreaming，或者是金城武說：「不知道從什麼時候開始，在每個東西上面都有一個日子，秋刀魚會過期，肉醬也會過期，連保鮮紙都會過期，我開始懷疑，在這個世界上，還有什麼東西是不會過期的?」 花樣年華帶給我一種靈魂上的偷情，也許起先蘇麗珍以陳太太的身分在與周慕雲做互探，不過後來沒露面過的陳先生與周太太卻成了故事遠端，有趣的把焦點放在了被傷者這邊的變化情愫，隨著漫長時間的消逝，所有的壓抑好像變成另外一種感覺，人離開了一個地方又到了另一個地方，或許還眷戀些什麼，但就是相遇了也不會再有那麼強的慾望。

「如果我的孤獨是魚…」Fish story這是電影裡面的歌曲也是電影名稱，這首電影中的歌曲貫穿了整部電影，由伊阪幸太郎小說拍成電影的Fish Story搭上中村義洋導演，把故事之中的世界末日巧妙的運用許多人物和故事給拼在一起，其實整段故事都是胡謅之下有著一連串的後續反應，而我們只要相信音樂就算世界末日好像也可以享受到最後的信仰，甚至到最後一刻它會拯救全人類。 其實在某整程度之中裡面還藏著日本多年來的經濟頹敗壓力，人們對於世界末日的日期總是在猜疑，而猜疑之中的那”最後”幾年真的又改變了很多事情，如果真的2012就是末日那又如何?，相信著生活和夢想會讓很多事情都變得有堅毅的無畏。

我一直覺得無論相處了三十年、四十年、五十年…一個人永遠都在了解另外一個人，無論是夫妻是親人是朋友，那都是多種個體的碰撞和交流，所以聽到有人穩定的走過好多年的戀情，那表示互相還有探究的空間和欲望，我還是喜歡抱持著永遠都再了解另一個人的心態，更甚之呢?永遠都在了解自己… 能不能在三十之前更了解自己呢?腦中是什麼時候浮現這樣的想法呢?無法有個根據，只能大略說是近三年的時間慢慢的浮現在腦中，給自己這樣一個探索的目標，我深知家庭不能給我太多的保護，社會和世界也隨時在變動，一切都是從零開始，而我對於那未知和匱乏的自己卻是一種狂喜和興奮，每次去台北都令我興奮，或許在網路的時代很多資訊可以快速的取得，但總比不上親眼看到和聽到那種感官衝擊來的大，就像一塊貧乏的海綿急欲的想在這台灣流動最快速的城市不斷的吸取。 在心理學上有個討論記憶的層面，而最近也在《與巴席爾跳華爾滋》之中看到不斷尋找戰時記憶的主角，劉軒提到的記憶退化、改變、捏造，經典的重慶森林所經歷的自我對白…所謂記憶是怎麼一回事?當我們記得的美好是否是對自己暗示和捏造的，而利用攝影捕捉是否是一種重塑?當然最深刻的例子是課堂上老師說到自己老人失呆症的阿嬤，因為自己也曾親身的看過記不住事物的外婆，在腦中只有舊記憶的迴圈，那種重複的、執著的…直到完全空白和消逝。 前些日子有個高中畢業暑假打工認識的朋友跟我說：「繞了一圈還是回到原點」，他曾經為了考國立工研所在雲林多待了一年，後來還是以些許差距失之交臂，後來回北部家裡邊工作再給自己準備的時間，當然一踏出了那個唸書的環境加上很多外在的現實因素，只鎖定國立的目標漸行漸遠，後來又做過水電又當過補習班老師，轉了一圈現在又回到家裡幫忙，當時其實我沒回應他些什麼話，只是跟他說這樣社會歷練多挺多的，不過心裡卻慶幸他還有家裡的產業可以幫忙做，這樣不至於馬上陷入困窘，而我深知我沒有這樣的後退空間，就像我對自己解嘲是個沒退路的人。 最近快畢業了話題總是圍繞在「工作」和「當兵」，而「升學」自己也有考慮過，不過更渴望的卻是解決兵役投入變動的真實社會，很多人跟我說晚點進去當兵比較涼，七八月份有腦中以排序的行程，理想的話九月初進去吧!聽每個「老兵」說在進去和出來之後又會有一種不同的體驗，那是一種無法狀擬的敘述嗎?當半隻腳已經踩在社會，暑假已經成為過去式的辭彙，兵營之中跟你敘述著形形色色的人，這或許又是要親身經歷才能有...

這是第一次看橋口亮輔的作品，整部電影看完之後，深深的感覺經歷了那些漫長的日子，看了資料他過去曾經深陷憂鬱症，而這部電影也藉此為架構，把整部影片構織的非常細膩，《幸福的彼端》內容在敘述一對夫妻如何在苦悶的生活之中找尋希望與勇氣，一開始妻子在日曆上寫著X，那是他們何時做愛的日子，丈夫嫌這樣太製式，而妻子翔子則是嫌丈夫不守約定不夠誠懇，看起來故事很像挺單純的，卻因為失去小孩而終日抑鬱，甚至後來質疑丈夫對失去小孩只表示「遺憾」的冷漠而爆發衝突。 不過電影細膩的部分不只家庭，由丈夫金尾的職業法庭繪畫師，再加上十年的時間軸把日本整個社會的變化性給表達出來，在電影之中出現了日本近十年的重大事件，像是「東京地鐵沙林毒氣事件」、「小學兒童殺人事件」…而在法庭上這些被害人和兇手之間的互動，和整個日本經濟泡沫的浮動變遷。而妻子翔子的職業則是出版社的助理，其中有一場戲是幫忙簽書時的工作，那本書本教人如何快樂，可是當下她撞到小孩並且想躲開會場，最後自己用著書本捲縮在一角，在某些時刻人的情緒是連環的被引發且瞬間崩潰的痛苦。 演出夫妻的是原著小說家Lily Franky和日本女星木村多江，而他們在詮釋這家庭以及延伸工作、親戚、環境等…非常緊密的抓住了整部電影想表達的話，這種真實生活感的電影，如同之前的東京奏鳴曲、橫山家之味，不用有過於絢麗和誇張的表達，反而抓住了這個時代所忽略的細微生活。

改編自追憶似水年華其中一篇的女囚，整部影片的氣氛就像是它的音樂一般瀰漫的一股低壓，而且詭譎和不斷的對白絕對挑起心理某種層面的壓力。 故事在敘述一個患有花粉症的富家男西蒙，他深愛著女友瑞安納，不過他的愛卻是一種全面的掌控，無論多細微的地方都想了解，最後演變成一種近乎病態式的愛，當瑞安納生活週遭出現了某些他所認為的情敵，他開始生疑並且用一種旁者監視和質問想完全剖析他所認為的愛，整部影片的鏡頭、對話和人物性格有著非常強烈的心理因素，值得去思考其中所象徵的影像涵義。

由香港知名編劇岸西第一次導的電影，裡面以倒敘把整個辦公室的故事給描述出來，在忙碌的大城市之中，每天朝夕相處的五個人會不會產生什麼樣的變化，辦公室裡有著溫和年輕的上司湯少（鄭伊健飾）、總是安靜少話的阿珮（林嘉欣飾）、口無遮攔又愛玩的珠珠（活己嵐飾）、不善於表達的松仔 （曾國祥飾）、和辦公室最資深的球叔（駱應鈞飾）。 故事其實很簡單的在敘述著朝夕相處之中的互動，而欲言又止的辦公室戀情則是其中要表達的部份，某些時候人在長時間相處和工作的情況之下，好像會產生一種依賴感，而阿珮對於有家室的湯少則產生了一種想跨越邊界卻又屢屢作罷，其中對於阿珮又更深入的去架構人物背景，小時候對於母親和醫生的記憶，或許也是造成現在憧憬的因素。

港片還是有探討自己文化的空間，如同這部歲月神偷開頭破題：「在時間的變幻裡，時間，原來才是最大的小偷…」，追溯到六零年代的香港，世界性的話題總是圍繞在阿波羅登陸月球、毛澤東發動文革…這些事件影響了香港同樣在台灣也產生了些變化，這兩個從歷史上經歷更多變動和苦難的地方，其實某些程度來說有一種被殖民的相似之處。 羅啟銳在電影之中把角色分配的很均，我非常喜歡這部電影用這樣的作法，把所敘述的內容都平均的分在羅家四人身上，在由羅進二來做一種童真的旁敘串場，六零年代的香港是個什麼樣的記憶，問近代的年輕人有多少人曾經得忍受物資貧乏和動亂的時代，在電影中整個呈現的溫度是暖調，或許有些不合理之處，但絕對不影響整部影片令人感動的每個環節。 輕狂的年少歲月，時常帶有點到為止的青澀感，哼著The Monkees的I Wanna Free，羅進一是學校的風雲人物，文武兼備又才貌出眾，卻某次到女友家才發現世界上還有貧窮與富有的距離感，那種自卑和愛戀混雜是一種多麼奇怪難熬的感覺，電影之中一條魚的寄託感，有人說魚的記憶只有三秒，不過有些是一輩子卻忘不了，某些時刻我也想要魚的三秒記憶的本事，不過我依然只能當魚缸外不斷塞入記憶的人，太多事情選擇刻意遺忘或者忽略，想忘卻的不是斑駁而是吵鬧背後的抑鬱。 修鞋的羅爸，學歷不高永遠都是用著厚實的雙手在替人做鞋，而羅媽腳上的雞眼，卻也是全家最緊密的象徵，記得有一幕羅爸送了一雙自製的手工鞋給羅媽，那一刻其實所有在辛苦的每一步都化成了一種甜蜜感。另外還有許多象徵著那時代依偎的關係，進一跑步得第一、月餅會事件、戴著魚缸的太空帽…無論從何處來看生活，總能發現原來大家都這麼踏實緊密的活在一起。 吳君如嘴上總愛說著：「做人，總要信」、「一步難，一步佳」，父親永遠勞碌的身影，永遠不開口卻又擔憂小孩的樣貌，母親永遠有著大嗓門，永遠叮嚀著小孩該如何，童年的幻想和永遠探索不完的四周環境，一切都顯得如此神秘又吸引人，過去的週遭每個人生活在苦卻也令人感到溫暖。 看完【歲月神偷】之後不斷的回想著那些失落卻又美好的片斷，echoes of the rainbow…勾動人心令人不自覺落淚感動的詩意。

看完了森之歌，眼睛得完全承受一種殘忍的世界，每當在國道或者走山路看到一片綠地卻呈現光禿的樣貌之時，心中彷彿看到一個人活生生的被剝皮呈現在眼前，我想問台灣的土地能夠承受多少折磨，當商人以自己的短視為出發點，而一般民眾也早已忘卻了如何與自然共處的協調頻率，這幾年不斷呼喊著綠色、環保、造林、自然…但是從很多事實看來，那都是一種自我感覺良好，白話一點就是自欺欺人，反而是放任的自然復育才能讓這受傷的大地恢復一點生氣，這是全世界的連環因果，我相信萬物之中存在著生命機制，端看一顆樹蘊藏著多少生命鏈，靈長之首怎能如此貪婪。

李屏賓，這個名字或許在很多電影的工作名單中都不斷出現，不過我卻是在國藝獎於公視播出時看到這雙特別眼睛，當時我其實很震懾，原來那些我曾經很感動的鏡頭是透過這個不修邊幅的大鬍子所拍出來，這個從台灣出發，經過香港、日本、中國、美國等地的攝影師，這個響譽國際心裡卻無時無刻的惦記著家的男人，或許在《乘著光影旅行》裡面可以一窺這攝影背後的世界。 乘著光影旅行由關本良和姜秀瓊合作拍攝，一開頭是侯孝賢和李屏賓在麻豆電姬戲院拍坎城影展六十週年的影片，紀錄的鏡頭透過了被風撩起的紅布簾，地上的影子正好呼應了影片名稱的「光影」，而整部影片的內容緊緊的繫住了一個元素，就是每部電影之中都會出現的火車，從早期的戀戀風塵、到後來的珈琲時光、紅氣球、太陽照樣升起…這些作品裡面不斷的被捕捉到的火車給串起來，某種程度也象徵著李屏賓的旅程不斷在電影之間的光影穿梭。 李屏賓年輕也不愛唸書，後來跑去報名中影訓練班，當時他以候補名單意外的進了中影，從此和電影結下不解之緣，當他笑著說：「我這樣的爛人怎麼會考的進來?」，我也跟著笑了，這個爛人這麼多年旅居在外工作的孤獨，只為了他燃燒了這麼多年的興趣，而在工作場合他也是從攝影助理慢慢做起，他說當時在台灣的電影環境所有東西都是必須從自己的觀察學來，問老師傅通常沒有答案，而新的國外技術更是一群人必須研究很久，後來這群中影人現今也都在各領域有一席之地。 在拍攝電影的過程，李屏賓喜歡自然不矯作的光源，他說：「那些光是做不出來的」，就像打了一盞燈就會吃掉原本環境原本協調的元素，加上現在一般人已經不太使用的濾鏡，如同他喜歡的陶瓷手工藝存在著一種溫潤感，在平常他會訓練自己去看四周環境，什麼時候有風，什麼時候來雨，如同老子的「無為」，在自己能掌握的規律之中順應著自然。 影片之中最讓我感動的是他對母親和家人的牽掛，他說拍電影這是我的興趣，如果和家人相處的時間拉長，那我會很不快樂，人生總是有很多無可奈何的選擇，或許是這個無可奈何的選擇，後來挪威影展和國藝獎肯定了他的成就，而這些他只想獻給他的母親，一個永遠掛心著孩子工作的母親，一個永遠搞不清楚孩子在哪裡或者做著什麼的母親，如同他說：「世界變小了，家卻變遠了」，他選擇了一條必須忍受孤獨的道路，那是一種很難想像的堅持，這都呈現在他的影像風格之中。

交換每個人的故事，交換是讓彼此可以獲得更廣闊的視野， 而就像是朵兒開的咖啡館一樣，很多事情都無法去設限， 老實說故事挺單純的，純到有點像是天真的童話， 加上旁白和穿插訪問路人的手法，讓我覺得有些突兀感， 整體而且味道淡了點!! 不過我挺喜歡裡面台北城市的大遠景!!

一場名為設計的速食派對，有人來這裡看著未來，有人來這裡看著商機，有人來這裡畫下段落...最後華麗背後是一轟而散，不理會腳跟和地面的磁性越來越強，大多時候我只想走在台北街頭，享受著人來人往的陌生，亦或是坐在一個視野良好又舒服的玻璃窗旁搭配著舒服的音樂，在台北這幾天搭捷運來來往往，不得不讚嘆這個北台灣的城市容納這麼多異鄉定居之人，或許在時間的流動下，第二或者第三代之後的子女或許比較難去體會遷移的感覺，不過那精簡的台灣縮影確實能在台北印證!